Αυτός ο ιστότοπος χρησιμοποιεί cookies.

Μάθετε περισσότερα. Αποδοχή.
→
Αντιγράφηκε η διεύθυνση email

Αρχεία: Events

ΜΕΝΓΚΕΛΕ

Alt text

ΜΕΝΓΚΕΛΕ
του Θανάση Τριαρίδη
σε σκηνοθεσία Βάνας Πεφάνη
Για 2η φορά στο ΠΛΥΦΑ πριν τη Ζυρίχη

 

Μετά την επιτυχία της παράστασης τον Οκτώβριο του 2025 στο ΠΛΥΦΑ και τον Ιανουάριο του 2026 στη Ζυρίχη, στο Bühne S – Theater im Bahnhof Stadelhofen, όπου θα επιστρέψει και τον Ιανουάριο του 2027, το «Μένγκελε» παρουσιάζεται ξανά στην Αθήνα.

Το έργο του Θανάση Τριαρίδη, σε σκηνοθεσία της Βάνας Πεφάνη, επιστρέφει στο ΠΛΥΦΑ για 7 μοναδικές παραστάσεις από  8 Οκτωβρίου – 17 Οκτωβρίου. 

Ένα καθηλωτικό έργο που ακολουθεί τους κανόνες του ψυχολογικού θρίλερ, με απρόβλεπτες ανατροπές και ανατριχιαστικές προεκτάσεις για τη φύση του ανθρώπου, με πρωταγωνιστές τους Γιώργο Νάσιο και Εύα Πιάδη, ενώ τη ζωντανή μουσική επιμέλεια (Live Textures) υπογράφει ο Orestis.

Από τις 8 Οκτωβρίου και μόνο για επτά παραστάσεις (8, 9, 10, 11, 15, 16 και 17 Οκτωβρίου), το αθηναϊκό κοινό θα έχει την ευκαιρία να ξαναζήσει αυτή τη μοναδική εμπειρία. 

Η Βάνα Πεφάνη υπογράφει μια βιωματική σκηνοθεσία, βασισμένη σε αληθινά ψυχολογικά πειράματα. Το θέατρο μετατρέπεται σε εργαστήριο, όπου ο θεατής καλείται να επιλέξει: θα σταθεί στη θέση του πειραματόζωου ή του ερευνητή; Δεν πρόκειται για μια απλή παράσταση, αλλά για μια εμπειρία που απαιτεί ενεργή συμμετοχή.

Το «Μένγκελε», έργο–σταθμός στη δραματουργία του Θανάση Τριαρίδη, γράφτηκε το 2012 και, μέσα σε μία δεκαετία, παρουσιάστηκε σε περισσότερες από 15 διαφορετικές σκηνές στην Αθήνα, σε άλλες πόλεις της Ελλάδας αλλά και στην Κύπρο. Πρόκειται για ένα κείμενο που επιχειρεί να αναμετρηθεί με την πιο αδιανόητη φρίκη της σύγχρονης Ιστορίας: το διαβόητο Εργαστήριο Πειραμάτων του Γιόζεφ Μένγκελε στο Άουσβιτς–Μπιρκενάου.

Σήμερα, σε μια εποχή που τα όρια της ανθρώπινης βίας και της ηθικής δοκιμάζονται εκ νέου, το έργο έρχεται να μας ταρακουνήσει και να μας θυμίσει τα λόγια του Ιταλοεβραίου συγγραφέα και επιζώντα του Ολοκαυτώματος, Πρίμο Λέβι: «Ό,τι έγινε μια φορά, είναι βέβαιο πως θα ξαναγίνει».



Λίγα λόγια για την υπόθεση:

Σε ένα νυχτερινό δρομολόγιο ηλεκτροκίνητου τρένου, ένας διοικητικός υπάλληλος και μια υποψήφια διδάκτορας Ιστορίας — δύο άγνωστοι μεταξύ τους — μοιράζονται το ίδιο κουπέ. Μια ξαφνική διακοπή ρεύματος τους οδηγεί σε ένα παιδικό παιχνίδι ρόλων: εκείνος γίνεται ο διαβόητος «Άγγελος του Θανάτου» Γιόζεφ Μένγκελε, ενώ εκείνη η Εσθήρ, εγγονή μιας Εβραίας επιζήσασας από τα πειράματά του.

Το παιχνίδι όμως σύντομα ξεπερνά τα όρια. Μήπως οι δύο «παίκτες» δεν υποδύονται απλώς, αλλά αποκαλύπτουν μια τρομακτική αλήθεια; Πόσο μακριά μπορούν να φτάσουν όταν παίζουν με την Ιστορία, την ηθική και την ίδια την ανθρώπινη φύση;



Σημείωμα του συγγραφέα: 

Εδώ και δώδεκα χρόνια σε κάθε καινούρια παράσταση του συγκεκριμένου έργου, αντιμετωπίζω το ίδιο ερώτημα. «Μα γιατί γράφεις για τον Μένγκελε;…» Και πάντοτε απαντάω το ίδιο: «Γιατί υπήρξε – άρα ανά πάσα στιγμή μπορεί να ξαναϋπάρξει. Γράφω για τον Μένγκελε γιατί θέλω να αποδείξω ότι ο όλεθρος του Ολοκαυτώματος είναι διαρκώς παροντικός. Το κακό δεν έρχεται από τον ουρανό, ούτε από τα βάθη μιας Κόλασης που δεν υπάρχει. Το κακό είναι μέσα μας – και χρειάζεται ηθικός αγώνας και πολιτισμική επαγρύπνηση για να μην είμαστε εμείς εκείνοι που θα ανεβάσουμε τους ανθρώπους στα τρένα για ένα επόμενο Άουσβιτς».

Και θέλω να πω και κάτι ακόμη. Σ’ όλη μου την ζωή γράφω για τους σφαγμένους αμάχους που αφανίζονται από τα εργαστήρια θανάτου των λογής εξουσιών. Τα δίδυμα του Μένγκελε στο δικό μου μυαλό είναι πλάι στα παιδιά-σκλάβους όλων των αιώνων, τα παιδιά των σφαγμένων ιθαγενών των Νέων Κόσμων, στα διαμελισμένα θύματα του Κονγκό, στα παιδιά που δολοφονούνται στην Γάζα, στα περίσσια παιδιά του κόσμου μας που πεθαίνουν (για την ακρίβεια: δολοφονούνται) στην Υποσαχάρια Αφρική από την πείνα, από την φτώχεια, από την ανέχεια. Είναι η μεγάλη κοινότητα των αδικοσφαγμένων της Ιστορίας στην οποία (νιώθω πως) λογοδοτώ.

– Θανάσης Τριαρίδης



Σημείωμα της σκηνοθέτριας:

Το «Μένγκελε» δεν είναι παράσταση. Είναι ενδιάμεσος τόπος. Ένα bardo της βίας. Όχι της μεγάλης, της ιστορικής. Της μικρής. Της σιωπηλής. Της ατομικής. Της καθημερινής. Αυτής που δεν έχει κραυγές αλλά ψιθύρους. Που δεν στάζει αίμα, αλλά διαβρώνει σιγά-σιγά. Οι δύο ήρωες του έργου δεν ξέρουν αν βρίσκονται ακόμη μέσα στο πείραμα ή έξω απ’ αυτό. Δεν ξέρουν αν είναι θύτες ή θύματα. Ίσως ούτε κι εμείς.

Πιθανόν δεν είναι άνθρωποι, αλλά ερωτήματα με μορφή ανθρώπου. Ένα φως που ανάβει. Ένα φως που σβήνει. Και μια κοινωνία που παρακολουθεί — με νευρικό γέλιο; με αδιαφορία; μήπως με τρόμο; — ένα πείραμα που δεν τελειώνει ποτέ.

Το έργο ανεβαίνει τώρα, γιατί ζούμε σ’ ένα κόσμο όπου οι λέξεις ηθική, συνείδηση, ευθύνη, τρίζουν τα δόντια. Γιατί το σκοτάδι είναι εδώ — και δε ζητά απαντήσεις, μόνο να παραδεχτούμε ότι υπάρχει. Ότι το βλέπουμε. Και αυτό  ίσως,  είναι το πιο δύσκολο.

– Βάνα Πεφάνη 

 

 

 

Διάρκεια: 80 λεπτά
Κατάλληλο: άνω των 16

OREN AMBARCHI live

Alt text

POROSI 05: Ο OREN AMBARCHI live στην Αθήνα
Opening Acts: Tropical Geometry + Savvas Metaxas

 

Η μουσική του Oren Ambarchi ζει στο μεταίχμιο μεταξύ διαφόρων σχολών και επιρροών: σύγχρονη ηλεκτρονική μουσική, αυτοσχεδιασμός, πειραματικός μινιμαλισμός, παραπλανητική απλότητα, λανθάνουσα ροκ σωματικότητα. Από τα τέλη της δεκαετίας του ’90 οι πειραματισμοί του στην αφαίρεση της κιθάρας και την εκτεταμένη τεχνική οδήγησαν σε έναν πιο προσωπικό και μοναδικό ηχητικό κόσμο που ενσωματώνει μια ευρύτερη παλέτα οργάνων και ευαισθησιών, με τα πνεύματα των Morton Feldman και Alvin Lucier να κάνουν περιοδικά αισθητή την παρουσία τους. 

Εξάλλου, δεν θα μπορούσαμε να περιμένουμε τίποτα λιγότερο από έναν μουσικό που έχει ψηφιστεί ως ο Πειραματικός Καλλιτέχνης της Χρονιάς (Pitchfork, 2014) και συνεχίζει να είναι πραγματικά πρωτοποριακός.

Σε κυκλοφορίες όπως το Grapes From The Estate και το In The Pendulum’s Embrace, ο Ambarchi χρησιμοποίησε μεταξύ άλλων γυάλινη φυσαρμόνικα, έγχορδα, καμπάνες, πιάνο, τύμπανα και κρουστά, δημιουργώντας εύθραυστες υφές, ελαφριές και ενίοτε αέρινες, οι οποίες συνυπάρχουν οριακά με τους ογκώδεις ήχους μπάσου που προέρχονται από την κιθάρα του.

Ο Ambarchi έχει εμφανιστεί, συνεργαστεί και ηχογραφήσει με ένα ευρύ φάσμα καλλιτεχνών όπως οι Fennesz, Sunn 0))), Alvin Lucier, John Zorn, Merzbow, Jim O’Rourke, Fire! και πολλοί άλλοι.

Έχει κυκλοφορήσει πολυάριθμες ηχογραφήσεις για εταιρείες όπως οι Touch, Drag City, PAN, Southern Lord και Kranky. Το αναγνωρισμένο τρίο του με τους Keiji Haino και Jim O’Rourke εμφανίζεται στο Τόκιο κάθε χρόνο με πολλές από τις συναυλίες τους να ηχογραφούνται και να κυκλοφορούν στην ετικέτα Black Truffle του Ambarchi, η οποία μέχρι σήμερα αριθμεί πάνω από 90 κυκλοφορίες.

Η κυκλοφορία του Quixotism συμπεριλήφθηκε στις 50 καλύτερες κυκλοφορίες του 2014 του περιοδικού The Wire και την ίδια χρονιά το Pitchfork τον ανακήρυξε «Πειραματικό Καλλιτέχνη της Χρονιάς». Στο άλμπουμ του Hubris του 2016 συγκέντρωσε ένα εκπληκτικό καστ παικτών όπως οι Crys Cole, Mark Fell, Arto Lindsay, Jim O’Rourke, Keith Fullerton Whitman και Ricardo Villalobos μεταξύ άλλων. Το Hubris συμπεριλήφθηκε σε πολυάριθμες λίστες “Best Albums Of 2016” σε γνωστά περιοδικά όπως τα The Wire, Rolling Stone, The Quietus και Tiny Mix Tapes.

Τον Μάιο του 2019, το Cafe Oto του Λονδίνου γιόρτασε τα 50α γενέθλια του Ambarchi και την 10η επέτειο της ετικέτας Black Truffle με ένα τριήμερο φεστιβάλ με ένα all-star διεθνές πρόγραμμα. 

Ο επερχόμενος νέος solo δίσκος του Ambarchi υπό τον τίτλο “Cooked” θα κυκλοφορήσει στις 25 Σεπτεμβρίου από την Drag City. Η τελευταία του κυκλοφορία καταπληκτικό Shebang (2022, Drag City) στην οποία συμμετείχαν οι Chris Abrahams, Johan Berthling, BJ Cole, Sam Dunscombe, Jim O’Rourke, Julia Reidy, Konrad Sprenger και Joe Talia. Η τελευταία του συνεργασία ήταν το «Ghosted III» με τους Johan Berthling και Andreas Werliin, που κυκλοφόρησε τον Αύγουστο του 2025 από την Drag City.

https://orenambarchi.com/



Οι
Tropical Geometry ξεκίνησαν ως ένα πολύμορφο μουσικό project μεταξύ φίλων, από το οποίο προέκυψε το studio album τους «Luck Mountain» (2021). Πλέον λειτουργώντας ως ένα δυναμικό ντούο (Μπάμπης Θεοχάρης & Αντώνης Παπαδόπουλος), ξετυλίγουν την experimental pop μουσική τους μέσα από τις ηχητικές τους εξερευνήσεις στα μονοπάτια του Krautrock, της ψυχεδέλειας και του μινιμαλισμού. Οι ζωντανές εμφανίσεις του project είναι εξαιρετικά σπάνιες. Μάλιστα, τον Μάιο του 2025 κυκλοφόρησαν τη μοναδική τους μέχρι στιγμής live εμφάνιση (Live recording 21.9.2024).  

https://tropicalgeometry.bandcamp.com/



Ο
Σάββας Μεταξάς είναι μουσικός και ηχητικός καλλιτέχνης που δραστηριοποιείται στους τομείς της πειραματικής μουσικής, των ηχογραφήσεων πεδίου και του αρθρωτού synthesizer. Με περισσότερες από 15 κυκλοφορίες σε βινύλια, CD και κασέτες, η μουσική του έχει κυκλοφορήσει σε πολλές δισκογραφικές εταιρείες, όπως LINE, Superpang, Granny Records, Glistening Examples, More Mars, Flaming, Pines, Coherent States, Falt, Grisaille, και έχει εμφανιστεί σε πολυάριθμες συναυλίες που έχουν διοργανωθεί σε πειραματικούς χώρους τέχνης, μουσικά festival, μουσεία, γκαλερί και αίθουσες συναυλιών. Η τελευταία του κυκλοφορία είναι το «Feedback Poetics», που κυκλοφόρησε από την «The Tapeworm».

Το 2008 συν-ίδρυσε την δισκογραφική εταιρεία Granny Records, η οποία επικεντρώνεται στην έκδοση έργων σύγχρονων ηλεκτρονικών μουσικών, που κινούνται στο φάσμα της ελεύθερης αυτοσχεδιαστικής μουσικής, του θορύβου, της ηλεκτροακουστικής σύνθεσης και της σύγχρονης ηλεκτρονικής μουσικής.Άλλα έργα του περιλαμβάνουν τη δημιουργία και σύνθεση ήχου για εγκαταστάσεις και site-specific παραστάσεις, καθώς και μουσική για ταινίες μικρού μήκους, ταινίες animation και σύγχρονο χορό.

https://savvasmetaxas.bandcamp.com/

Περισσότερες πληροφορίες: porosi.org

 

Προσέλευση 20.00

Savvas Metaxas 20.30 – 21.00

Tropical Geometry 21.15 – 21.45

Oren Ambarchi 22.00

 

ΧΗΝΕΣ

Alt text

ΧΗΝΕΣ
2ος χρόνος

Στέλλα Ζαφειροπούλου

‎

‎

Μετά την πρώτη επιτυχημένη παρουσίαση, οι Χήνες επιστρέφουν στο Πλύφα.
Στο ρόλο της Κυριακής η
Μαρία Αντουλινάκη. 

‎

Σε μια μικρή επαρχιακή πόλη, τίποτα δεν μένει για πολύ κρυφό. Η Σοφία είναι μια νέα γυναίκα υιοθετημένη από την Κυριακή. Η καταγωγή της γίνεται συνεχώς αφορμή για συγκρούσεις μεταξύ τους, ενώ τα σχόλια και οι παρεμβάσεις του περίγυρου δυναμιτίζουν ακόμη περισσότερο την εύθραυστη ισορροπία τους. Την ώρα που η Κυριακή παλεύει κρυφά με τα ερωτήματα γύρω από τη διαχείριση της περιουσίας και της κληρονομιάς της, η Σοφία γνωρίζει τον έρωτα και πιστεύει πως επιτέλους βρήκε την ευτυχία. Όμως, οι αποκαλύψεις που θα ακολουθήσουν θα ανατρέψουν τα πάντα, οδηγώντας τις σε απρόβλεπτες και τραγικές εξελίξεις.

Οι Χήνες, το βραβευμένο έργο της Στέλλας Ζαφειροπούλου (Βραβείο Ένωσης Σεναριογράφων Ελλάδος 2017), παρουσιάζεται για δεύτερη σεζόν στη θεατρική σκηνή του ΠΛΥΦΑ από τις 18 Νοεμβρίου 2026. Μια ιστορία που τολμά να αγγίξει βαθιά ριζωμένες προκαταλήψεις για τη γονεϊκότητα, τη βιολογική συνέχεια, τον φόβο απέναντι στο ξένο και το διαφορετικό, τη δυσκολία ένταξής του στην κουλτούρα μας — αλλά και την αδηφάγα αγάπη για το χρήμα. 

Η Στέλλα Ζαφειροπούλου, μία από τις πιο δυναμικές εκπροσώπους της νέας γενιάς Ελλήνων θεατρικών συγγραφέων, που ήταν πρόσφατα υποψήφια για το βραβείο «Κάρολος Κουν» Δραματουργίας Ελληνικού Έργου για το θεατρικό της Φλάι (2025, Θέατρο Olvio), αυτή τη φορά σκηνοθετεί η ίδια την παράσταση. Καταθέτοντας έτσι την πρώτη της σκηνοθεσία στην ελληνική θεατρική σκηνή, σημειώνει για τις Χήνες: 

Οι Χήνες είναι μια ιστορία διαλογής. Των παιδιών των ιδρυμάτων, των παιδιών που διαλέχτηκαν και εκείνων που παρέμειναν εκεί. Αλλά όχι μόνο. Είναι και η ιστορία μια μάνας και μιας κόρης που ποτέ δεν είδαν η μια την άλλη ως τέτοια, αλλά και η αέναη αφήγηση μιας μερίδας ανθρώπων που απαρτίζουν μικρές κοινωνίες και που διατηρούν υποκριτικά και τελείως ανορθόδοξα τις παλιές ρίζες αυτών των κοινωνιών σε άγονο χώμα όταν πρόκειται να υποδεχτούν στα «πάτρια εδάφη τους» το ξένο. Θεωρώ σημαντικό τα έργα μου να εκκινούν από αληθινά συμβάντα και να ακουμπούν σε μια πραγματικότητα την οποία φτιάχνω με όρους θεατρικούς. Έτσι κι εδώ, οι Χήνες βασίζονται μια ιστορία που ήρθε σε μένα και λειτούργησε ως αφετηρία για να δημιουργήσω εικόνες. Αυτό θέλω να κάνω και με τη σκηνοθεσία μου. Να αναδείξω τις εικόνες του κειμένου και γιατί όχι να δημιουργήσω νέες. Και όσο περνά ο καιρός και μελετώ τις Χήνες απέξω και όχι πια σαν δημιουργός τους, τόσο νιώθω την απόσχιση μου από το κείμενο και τη σύνδεση μου με άλλους όρους. Αυτό που ξέρω σίγουρα πάντως είναι πως είτε έτσι (ως συγγραφέας), είτε αλλιώς (ως σκηνοθέτης) αυτό που χρειάζεται να κάνω είναι να το βάλω σε ράγες που θα κυλήσει πάνω τους απρόσκοπτα. 

‎

‎

‎

Διάρκεια: 100 λεπτά χωρίς διάλειμμα

*Τη δεύτερη εβδομάδα του Δεκεμβρίου εκτάκτως οι παραστάσεις θα είναι Δευτερότριτο 7 & 8 Δεκεμβρίου 2026.

flux_playground

Alt text

flux_playground

multimedia performance

Φανή Αράπη, Κώστας Ντάφλος

‎ ‎

Το flux playground είναι ένα ρευστό πεδίο συνάντησης του σώματος, με τον ήχο, την κίνηση, την εικαστική εγκατάσταση, τον σκηνογραφικό χώρο και τις τεχνολογίες διάδρασης. Πρόκειται για μια πολυμεσική επιτέλεση τριών εγχόρδων διατάξεων σε έναν ρευστό χάρτινο υλικό χώρο. Στη solo performance επαναπροσδιορίζεται ο σωματικός χώρος μέσα από την παραγωγή χάρτινων ενδυμάτων, ηχοτοπίων και σχεδίων σε κίνηση. Το σώμα στηνεπιτελεστική εγκατάσταση αναζητά τρόπους χειρισμού και ενσωμάτωσης σε διάλογο με τα ενεργά αντικείμενα (τις διατάξεις, τα διαδραστικά αυτοσχέδια μουσικά όργανα, τις χάρτινες επιφάνειες, κ.ά). Τα διαλογικά μουσικά γλυπτά προέκυψαν από μπρικολάζ (bricolage) στοιχείων επίπλων και μικρο-υλικών, καθώς με την επανάχρηση και την ανακύκλωση ρομπότ παιχνιδιών.
‎
Το χοροκινητικό παραστατικό γεγονός είναι μια εξελισσόμενη δράση που συνδυάζει τον χορό, την κίνηση του σώματος με την εικαστική πράξη. Αποτελεί αναφορά στις σωματικές πειραματικές performances, των Charlotte Moorman & Nam June Paik (Fluxus cello, 1969), των Christo & Jeanne-Claude (Wendy, Wedding dress & Eveningdress, 1967), στην πρώιμη ρομποτική τέχνη του Akira Kanayama (Painting machine, 1957) της πρωτοπορίας των Gutai.
‎

‎
Η Φανή Αράπη είναι εικαστικός ΑΠΘ με μεταπτυχιακές σπουδές στο Τμήμα Τεχνών Ήχου & Εικόνας του Ιόνιου Πανεπιστημίου. Στην πρακτική της εστιάζεται στην περφόρμανς και τις πολυμεσικές εγκαταστάσεις.
‎
Ο Κώστας Ντάφλος είναι καθηγητής στην Σχολή αρχιτεκτόνων μηχανικών ΕΜΠ. Υλοποιεί διαλογικές εγκαταστάσεις με τεχνολογίες μέσα από επιτελεστικές χωρικές πρακτικές.
‎
‎
‎
flux_playground.gr
‎
‎
‎
‎
Διάρκεια: 1 ώρα και 15 λεπτά (χωρίς διάλειμμα)

WHERE DO WE MEET

Alt text

Where Do We Meet

LUNA PARK /  ΝΙΚΟΛΕΤΑ ΚΟΥΤΙΤΣΑ

 

Πώς συναντιόμαστε; Τι είναι αυτό που μας κρατά μαζί; Και τι απομένει όταν οι δομές στις οποίες βασιζόμαστε αρχίζουν να εξαφανίζονται; Το Where Do We Meet είναι ένα χορογραφικό έργο για πέντε performers, που εξερευνά τη διαρκώς μεταβαλλόμενη αρχιτεκτονική των ανθρώπινων σχέσεων. Τα σώματα, τα αντικείμενα και ο χώρος επηρεάζουν συνεχώς το ένα το άλλο, δημιουργώντας προσωρινά συστήματα προσανατολισμού που εμφανίζονται μόνο για να διαλυθούν ξανά. Οικείες καταστάσεις αναδύονται, χάνουν την ισορροπία τους και αναδιοργανώνονται σε απροσδόκητους σχηματισμούς.

Αντί να παρουσιάζει την κίνηση ως μια σταθερή χορογραφία, το έργο αναπτύσσεται μέσα από διαδικασίες ακρόασης, ανταπόκρισης και προσαρμογής. Οι σχέσεις επαναπροσδιορίζονται συνεχώς, καθώς οι performers διαπραγματεύονται την εγγύτητα και την απόσταση, τον ρυθμό και τον δισταγμό, την ατομικότητα και τη συλλογικότητα. Κάθε συνάντηση αφήνει ένα ίχνος. Κάθε δράση μεταβάλλει τις συνθήκες για ό,τι ακολουθεί.

Η σκηνή μετατρέπεται σε ένα ζωντανό τοπίο που βρίσκεται σε συνεχή μεταμόρφωση, όπου η σταθερότητα είναι μόνο προσωρινή και η αλλαγή αποτελεί τη μόνη σταθερά. Καθώς τα σημεία προσανατολισμού εξαφανίζονται, αρχίζουν να αναδύονται νέες δυνατότητες σύνδεσης.

Χωρίς γραμμική αφήγηση ή οριστική κατάληξη, το Where Do We Meet προσκαλεί το κοινό να βιώσει τη συνύπαρξη ως μια διαδικασία σε διαρκή κίνηση. Το έργο ενδιαφέρεται λιγότερο για το πού συναντιόμαστε και περισσότερο για τις εύθραυστες και διαρκώς μεταβαλλόμενες συνθήκες που καθιστούν δυνατή τη συνάντηση.

 


 

Το Where Do We Meet είναι μια παραγωγή της Initiative LUNA PARK e.V. και της ΝΙΚΟΛΕΤΑΣ ΚΟΥΤΙΤΣΑ, που δημιουργήθηκε σε συνεργασία με το Gesundbrunnen Primary School και με την ελληνική ΑΜΚΕ ΛΟΥΝΑ ΠΑΡΚ ΕΡΓΑ. Η παραγωγή υποστηρίζεται στο πλαίσιο του προγράμματος «Kiez in Bewegung / Berlin», με χρηματοδότηση από τη Deutsche Fernsehlotterie και τη Διεύθυνση Πολιτισμού και Κοινωνικής Συνοχής του Βερολίνου καθώς και στο πλαίσιο του προγράμματος ανταλλαγής «How to dance in times of crisis?» με την υποστήριξη του Ελληνογερμανικού Ιδρύματος Νεολαίας (ΕΓΙΝ).

 

 

 

 

Διάρκεια: περίπου 70 λεπτά χωρίς διάλειμμα

LUNAPARK.works 09

Alt text

LUNAPARK.works 09

LUNA PARK

 

Στο πλαίσιο της 12ης Διεθνούς Συνάντησης Νέων Επαγγελματιών Χορού «How to dance in times of crisis?» στην Αθήνα, το LUNA PARK πραγματοποιεί το συλλογικό performance format LUNAPARK.works, το οποίο φέτος παρουσιάζεται για ένατη φορά.

Για το LUNAPARK.works 09, οι συμμετέχοντες/ουσες αναπτύσσουν τις δικές τους σύντομες performances, ατομικές και ομαδικές, ορισμένες από τις οποίες παρουσιάζονται ως work in progress.

Το πρόγραμμα ανταλλαγής «How to dance in times of crisis?» διοργανώνεται από το LUNA PARK από το 2016, στο πλαίσιο της υποστήριξής του προς ανερχόμενους/ες καλλιτέχνες/ιδες του χορού, με τακτικές συναντήσεις στο Βερολίνο και την Αθήνα.

Πώς αλλάζει η αντίληψή μας για την τέχνη σε περιόδους έντονων κοινωνικών ανακατατάξεων, σε περιόδους τοπικών και παγκόσμιων κρίσεων; Πώς αλλάζει η καλλιτεχνική μας έκφραση; Χορεύουμε διαφορετικά σε περιόδους κρίσης; Μπορεί ο χορός να κάνει τη διαφορά – ακόμη και έξω από το θέατρο;

Οι νέοι/ες επαγγελματίες του χορού που συμμετέχουν προσεγγίζουν αυτά τα ερωτήματα μέσα από διαλέξεις, σεμινάρια και συζητήσεις, καθώς και μέσα από θεωρητικές και φιλοσοφικές προσεγγίσεις γύρω από τη σύλληψη και την αξιολόγηση του σύγχρονου χορού και της performance art.

Τους/τις συμμετέχοντες/ουσες υποστηρίζουν και καθοδηγούν έμπειροι/ες χορογράφοι και θεωρητικοί/ές του χορού, οι οποίοι/ες συντονίζουν επίσης πρακτικά εργαστήρια χορογραφίας και αυτοσχεδιασμού, καθώς και κοινές πρόβες χορού. Ιδιαίτερη έμφαση δίνεται στην ανάπτυξη των δικών τους καλλιτεχνικών έργων, τα οποία θα παρουσιαστούν στο πλαίσιο του LUNAPARK.works 09.

Το LUNAPARK.works 09 είναι ένα format παρουσίασης της Initiative LUNA PARK e.V., σε συνεργασία με την ελληνική ΑΜΚΕ ΛΟΥΝΑ ΠΑΡΚ ΕΡΓΑ. Χρηματοδοτείται από το Ελληνογερμανικό Ίδρυμα Νεολαίας (ΕΓΙΝ), στο πλαίσιο του διεθνούς προγράμματος ανταλλαγής «How to dance in times of crisis?», και υποστηρίζεται από τη Διεύθυνση Πολιτισμού και Κοινωνικής Συνοχής του Βερολίνου και την αναγνωρισμένη Ανώτερη Επαγγελματική Σχολή Χορού ΑΚΤΙΝΑ στην Αθήνα.

Το LUNA PARK, που ιδρύθηκε το 2002 ως πρωτοβουλία ανεξάρτητων καλλιτεχνών, υλοποιεί εδώ και περισσότερα από 20 χρόνια παραγωγές σύγχρονου χορού με παραστάσεις στη Γερμανία, την Ελλάδα και το εξωτερικό, ποικίλα προγράμματα εξωσχολικής καλλιτεχνικής εκπαίδευσης για παιδιά, εφήβους και νέους/ες, καθώς και διεθνή προγράμματα ανταλλαγής και συνάντησης για νέους/ες επαγγελματίες του χορού και επαγγελματίες της χορευτικής εκπαίδευσης.

Το LUNAPARK.works 09 είναι μια διεθνής πλατφόρμα χορού, performance και ανταλλαγής.

 

 

Το πρόγραμμα των performances θα ανακοινωθεί σύντομα.

ΚΑΝΕ ΛΙΓΟ ΠΙΟ ‘ΚΕΙ

Alt text

Κάνε λίγο πιο ’κει

ομάδα Mutabor
‎
‎

3, 4, 10, 11 & 17 Οκτωβρίου και 13 & 20 Νοεμβρίου 2026

‎
‎

Μπόχα. Πάλι γεμίσαμε πτώματα. 

Η ομάδα Mutabor παρουσιάζει το πρωτότυπο θεατρικό έργο «Κάνε λίγο πιο ’κει», μια παράσταση που, μέσα από το παράδοξο, το γκροτέσκο και το οδυνηρά οικείο, διερευνά την ανθρώπινη ανάγκη για ελευθερία, το βάρος των κοινωνικών ρόλων, την οικογένεια, τον έρωτα, την αποξένωση και τον θάνατο. 

Σε ένα διαμέρισμα. 

Ψη-λο-τά-βα-νο. Α-κα-τά-στα-το. 

Μέσα, μια Κυρία, μια Υπηρέτρια, ένας γιος -ο Λο- και ανάμεσά τους τα πτώματα. 

Πάντα μέσα. 

Κλεισμένοι στο σπίτι, προσπαθούν να χωνέψουν τους ρόλους που νομίζουν πως τους φόρεσε η ζωή. 

Τι συμβαίνει, όμως, όταν κάποιος αποφασίζει να μην υπακούσει; Η αντίσταση στις κοινωνικές φόρμες μπορεί να φέρει ελευθερία. Είναι, όμως, όλοι σε θέση να διαχειριστούν το βάρος του να είναι ελεύθεροι;

‎ ‎

Το έργο 

Σε ένα ψηλοτάβανο, ακατάστατο διαμέρισμα ζει η οικογένεια του Λο: η Κυρία -η μητέρα-, μια Υπηρέτρια και πτώματα. 

Ο Λο εργάζεται ως πτωματοκαθαριστής. Η καθημερινή συναναστροφή του με τα πτώματα τον εξουθενώνει και, την ίδια στιγμή, γίνεται γι’ αυτόν μια παράδοξη μορφή απελευθέρωσης. 

Η Κυρία απαιτεί διαρκώς από εκείνον να ανταποκρίνεται σε ρόλους, ιδιότητες, θελήματα και αγγαρείες. Εκείνη δυσανασχετεί· εκείνος, όσο περισσότερο πιέζεται, τόσο περισσότερο ορθώνεται απέναντί της. 

Το κάδρο συμπληρώνει η Υπηρέτρια, που ψάχνει διαρκώς τη σφουγγαρίστρα της. 

Και τα πτώματα; Σαν άλλοι μαέστροι, διαμορφώνουν τη ροή της ιστορίας, καθώς οι ήρωες αρχίζουν σταδιακά να χάνουν την υπόσταση και τις βεβαιότητές τους. 

Μέχρι που ένα γράμμα διαταράσσει την εύθραυστη ισορροπία. 

Τελικά, αν ελευθερωθείς από τον ρόλο που σου δόθηκε, είσαι έτοιμος να αναλάβεις την ευθύνη της ελευθερίας σου;
‎
‎

Η παράσταση 

Το «Κάνε λίγο πιο ’κει» θέτει στο επίκεντρο την ευθύνη που συνοδεύει την απαλλαγή από τους κοινωνικούς ρόλους. 

Σε μια κοινωνία που απαιτεί από όλους να είμαστε λειτουργικοί, χρήσιμοι και αποδεκτοί, ποιο τίμημα πληρώνει εκείνος που αρνείται να υποταχθεί στο προφίλ του «υγιούς», κοινωνικά αποδεκτού ανθρώπου; 

Τι συμβαίνει όταν κάποιος δεν επιθυμεί να εκτελέσει τον ρόλο που του έχει ανατεθεί; Πόση αποξένωση και μοναξιά μπορεί να κρύβει η ελευθερία; Και πόσο εύκολα η διαφορετικότητα μετατρέπεται σε απόκλιση και η απόκλιση σε στίγμα; 

Στον κόσμο του έργου, τα πτώματα ενσαρκώνουν την αμφιβολία που γεννιέται όταν οι άνθρωποι αισθάνονται ανεπαρκείς απέναντι σε όσα αναμένονται από αυτούς. 

Γιατί οι άνθρωποι φτιάχνουμε οι ίδιοι τη φυλακή μας και παραμένουμε μέσα σε αυτή, ακόμη κι όταν υπάρχει σχέδιο διαφυγής; 

Και τελικά: οι ήρωες λυτρώνονται ή παραμένουν φυλακισμένοι; 

 

 

Διάρκεια: 80 λεπτά

SCENIUS SOUND 001

Alt text

SCENIUS SOUND 001

Η αθηναϊκή σκηνή σε διάλογο με τη διεθνή avant-garde

‎

Το πρώτο SCENIUS SOUND φέρνει στο ΠΛΥΦΑ μια ολόκληρη βραδιά πειραματικής και αυτοσχεδιαστικής μουσικής, ζωντανής performance και εικαστικής τέχνης.

Δύο σκηνές. Ένα ενιαίο εισιτήριο. Μια διαδρομή ανάμεσα στη διεθνή avant-garde και τη σύγχρονη σκηνή της Αθήνας.

Το πρόγραμμα εκτυλίσσεται στα Κτήρια 7Α και 7Γ, με το Foyer του ΠΛΥΦΑ ως συνδετικό τους σημείο. 

Νέα σχήματα, διεθνείς καλλιτέχνες και μουσικοί από τη σύγχρονη σκηνή της Αθήνας συναντιούνται μέσα από διαδοχικές performances, νέες συνεργασίες και διαφορετικές προσεγγίσεις στον αυτοσχεδιασμό, τον ήχο και τη ζωντανή εικαστική δημιουργία.




THE MESSTHETICS & JAMES BRANDON LEWIS 

Οι The Messthetics & James Brandon Lewis έρχονται για πρώτη φορά στην Αθήνα και χαιρόμαστε ιδιαίτερα που τους υποδεχόμαστε στο πρώτο SCENIUS SOUND.

Ο Joe Lally στο μπάσο και ο Brendan Canty στα ντραμς —το rhythm section των θρυλικών Fugazi— συμπράττουν με τον Anthony Pirog στην κιθάρα και τον James Brandon Lewis στο τενόρο σαξόφωνο. Μαζί ενώνουν την ενέργεια του post-hardcore με την jazz, τον αυτοσχεδιασμό και τον πειραματικό ήχο.



KOPER8

Οι Ingrid Laubrock, Tom Rainey, Γιάννης Αναστασάκης και Giuseppe Doronzo συναντιούνται ως KOPER8, στο πλαίσιο της ευρωπαϊκής τους περιοδείας με αφορμή την κυκλοφορία του πρώτου τους άλμπουμ. Σαξόφωνα, τύμπανα και ηλεκτρονικά κινούνται ελεύθερα ανάμεσα στη σύνθεση και τον αυτοσχεδιασμό.



ΓΙΩΡΓΟΣ ΞΥΛΟΥΡΗΣ / ΘΟΔΩΡΗΣ ΖΙΑΡΚΑΣ / ΝΙΚΟΣ ΘΕΣΣΑΛΟΝΙΚΕΥΣ

Οι Γιώργος Ξυλούρης, Θοδωρής Ζιάρκας και Νίκος Θεσσαλονικεύς σχηματίζουν ένα νέο τρίο ειδικά για το SCENIUS SOUND 001, συνδέοντας την κρητική μουσική παράδοση με τον αυτοσχεδιασμό και σύγχρονες προσεγγίσεις στον ρυθμό και τον ήχο.



FAUDUJUDU

Οι Γιάννης Αναστασάκης, Δημήτρης Κλωνής και Fausto Sierakowski παρουσιάζουν το FAUDUJUDU, ένα νεοσύστατο τρίο αυτοσχεδιασμού, ο ήχος του οποίου είναι η απόρροια μιας τυχαίας αλλά μοιραίας συνάντησης σαξοφώνου, ντραμς, κιθάρας, μπλιμπλικιών και live electronics.



VINCENT DE BOER — INK & SOUND

Ο Ολλανδός εικαστικός και καλλιγράφος Vincent de Boer έχει αναπτύξει μια ιδιαίτερη πρακτική που συνδέει την καλλιγραφία, την κίνηση, τον ρυθμό και τον ήχο. Γνωστός ως το ανεπίσημο πέμπτο – και μοναδικό μη μουσικό – μέλος των Ill Considered, έχει διαμορφώσει την εικαστική ταυτότητα του συγκροτήματος μέσα από τα ζωγραφισμένα στο χέρι εξώφυλλά του. Στο SCENIUS SOUND μεταφέρει αυτή την πρακτική στο Foyer του ΠΛΥΦΑ, δημιουργώντας ζωντανά μια εικαστική απόκριση στη μουσική μέσα από γραμμές, χειρονομίες και εικόνες.



STOMA  (LIE-DOWN CONCERΤ)

Το πρόγραμμα ολοκληρώνεται με τους STOMA — τον Σπύρο Ευαγγελάτο στη βαρύτονη κιθάρα, τα ηλεκτρονικά και τη φωνή, τον Απόστολη Βασιλόπουλο στην ηλεκτρική κιθάρα και τον Πέτρο Κολοτούρο στα τύμπανα και τα κρουστά —, ένα τρίο που εξερευνά μέσα από τον αυτοσχεδιασμό τις παρυφές του ηλεκτρικού και ηλεκτρονικού ήχου.

Το κοινό καλείται να ξαπλώσει σε ένα ξέφωτο ήχου και να βιώσει, μέσα στο απόλυτο σκοτάδι, μια τελευταία performance αυτοσχέδιας σύνθεσης — έναν εντελώς διαφορετικό τρόπο ακρόασης. 

Η πρόσβαση θα γίνεται με σειρά προτεραιότητας, ανάλογα με τη χωρητικότητα της αίθουσας.

‎

‎

‎

Διάρκεια: Περίπου 5 ώρες. Δεν προβλέπεται ενιαίο διάλειμμα· το πρόγραμμα εξελίσσεται διαδοχικά στις δύο σκηνές και στο foyer, με σύντομα διαστήματα μετάβασης μεταξύ των performances.
Κατάλληλη ηλικία: 16+

HORNY FANS

Alt text

HORNY FANS

INDEPENDENT ARTISTS

‎

Η INDEPENDENT ARTISTS παρουσιάζει μια νέα πρωτότυπη θεατρική παραγωγή, σε κείμενο και σκηνοθεσία του Claudio Kaya.

Τι συμβαίνει όταν η επιβίωση γίνεται πιο επείγουσα από τα όνειρα; Όταν η οικονομική ανασφάλεια συναντά το αδιέξοδο και η διαρκής έκθεση γίνεται τρόπος ζωής;

Το HORNY FANS καταγράφει τις μικρές και μεγάλες διαπραγματεύσεις της καθημερινότητας και την επίμονη προσπάθεια να φανταστείς ένα μέλλον.

 

Εδώ, το σπίτι γίνεται σκηνή.

Το σώμα γίνεται περιεχόμενο.

Η επιθυμία γίνεται εργασία.

Και ο χρόνος γίνεται χώρος.


 

Αυτό που κάποτε ανήκε στην ιδιωτική ζωή γίνεται υλικό· η οικειότητα εκτίθεται και η ζωή αρχίζει να μοιάζει με performance που δεν τελειώνει ποτέ.

Μέσα σε αυτή τη συνθήκη, αναδύεται ένα τοπίο γεμάτο αντιφάσεις, όπου η ανάγκη για επικοινωνία και σύνδεση μπλέκεται με έναν κόσμο που διαρκώς κοιτάζει, αλλά σπάνια βλέπει πραγματικά. Έναν κόσμο που υπόσχεται διαρκώς μια καλύτερη εκδοχή της ζωής, κάπου αλλού, λίγο πιο πέρα, λίγο πιο μπροστά.

Τότε είναι που ο χρόνος γίνεται παράξενος. Το χθες μοιάζει να συνέβη πριν από λίγο, ενώ το αύριο παραμένει διαρκώς έξω από το κάδρο.

Με τρυφερότητα, χιούμορ και μια σκηνική αφήγηση που κινείται ανάμεσα στο οικείο και το απρόσμενο, το HORNY FANS δημιουργεί ένα σύμπαν όπου το προσωπικό γίνεται συλλογικό και το καθημερινό αποκτά αλληγορικές διαστάσεις.

Και εκεί όπου τα όρια ανάμεσα στην ανάγκη και την επιθυμία, την ελευθερία και την επιβίωση γίνονται δυσδιάκριτα, ένα ερώτημα επιμένει:

 

Όταν όλα μοιάζουν να έχουν μια τιμή, πόσο κοστίζει να παραμείνεις ο εαυτός σου;

‎

‎

‎

Διάρκεια: 80 λεπτά, χωρίς διάλειμμα
Κατάλληλη ηλικία: 16+

*Στη συγκεκριμένη παράσταση θα υπάρχουν εισιτήρια στο ταμείο μόνο με POS

Η ΑΛΗΘΕΙΑ ΕΙΝΑΙ

Alt text

Η ΑΛΗΘΕΙΑ ΕΙΝΑΙ

του Δημήτρη Δημητριάδη
Σκηνοθεσία: Γρηγόρης Καραντινάκης


2
ος χρόνος επιτυχίας

‎

Αλήθεια, αντώνυμο: Ψεύδος 

Ψεύδος, συνώνυμο: Μη αποδοχή της Αλήθειας 

Το έργο «Η Αλήθεια Είναι», του Δημήτρη Δημητριάδη, σε σκηνοθεσία Γρηγόρη Καραντινάκη θα μπορούσε να είναι ένα συμβάν αστυνομικού δελτίου, με διαστάσεις ποιητικού λόγου, δραματικής γραφής και δραματουργίας.

Όμως είναι μια ηθογραφία σύγχρονη, βαθιά υπαρξιακή και έντονα φορτισμένη, ένα κείμενο-ομολογία, που αποκαλύπτει τη σκοτεινή πλευρά της αλήθειας.



Δύο πρόσωπα παρόντα –ο πατέρας και η μητέρα– και ο εκκωφαντικά απών-παρών γιος τους, ξετυλίγουν το μίτο της αλήθειας τους. 

Η ζωή του γιού τους δεν είναι σύμφωνη με τις αρχές τους. Το φαινομενικά άσπιλο περιβάλλον τους, η σεμνή οικογένεια τους, η θεοσεβούμενη εικόνα τους καταρρέουν όταν το παιδί τους επιλέγει να είναι «διαφορετικό». Οι αξίες, οι πεποιθήσεις, οι αρχές τους κλονίζονται και έτσι αποφασίζουν να τον βγάλουν από τη ζωή τους.

Ένα έργο ξεδιπλώνει την υποκρισία και τη βία της ψευδούς ζωής του σύγχρονου ανθρώπου. Οι γονείς εμμένουν στη σκληρή απόφασή τους, αδημονούν για την υλοποίησή της και υπομένουν τις συνέπειες.

Ο Δημητριάδης, σε ένα από τα πιο αποκαλυπτικά θεατρικά του κείμενα, δίνει φωνή στην αλήθεια, όχι για να ακουστεί – αλλά γιατί δεν μπορεί να σωπάσει άλλο.

Μια παράσταση για εκείνα που δεν τολμήσαμε να πούμε ποτέ.
‎

Άραγε τις δικές μας αλήθειες θα τις πούμε;

‎

‎

‎

‎
Διάρκεια
: 80 λεπτά χωρίς διάλειμμα
Σημείωση: Στην παράσταση ακούγονται πυροβολισμοί και γίνεται χρήση τσιγάρου